从去年12月到今年2月，《轨道双子星》（Orbitals）先后在TGA和任天堂直面会上公布了两支PV，凭借一眼就能让“老二次元”共鸣的赛璐珞画风，这款作品吸引了不少玩家的注意。
就连过场动画中飞船爆炸的画面也保留着手绘的粗粝感
除了非常少见的复古赛璐珞画风，《轨道双子星》还是一款双人协作闯关游戏——虽然中国玩家都很熟悉《双人成行》和《双影奇境》，但这种能够与朋友或亲人“坐在一起玩”的同屏双人游戏，在绝对数量上并不算多。
《轨道双子星》的游戏画风本身便很容易让玩家联想到记忆中的经典动画作品，从而产生熟悉感与亲近感。而当两个人一起游玩时，围绕画面与游戏内容产生的交流与讨论，可能又会进一步放大这种体验。
可以想见，等到《轨道双子星》正式发售，应该会打开不少玩家的话匣子，也多半会在不知不觉中拉近许多朋友之间的距离。
而在前段时间，我曾前往《轨道双子星》开发商Shapefarm位于东京的工作室，通过与主创成员的沟通，了解到更多幕后的开发故事。
成立于2010年的Shapefarm，总部位于日本东京，并在新西兰惠灵顿设有工作室，同时与欧洲多地的艺术家保持着远程合作。整体来看，这是一支非常国际化的团队。
《轨道双子星》的主创Jakob与Marcos，分别来自瑞典与阿根廷
在着手开发《轨道双子星》前，工作室以外包业务为主，长期为行业内项目提供美术、音频等支持，曾参与过万代南梦宫旗下的多人在线格斗游戏《火影忍者 博人传：忍者先锋》、改编自美国动画的动作冒险游戏《武士杰克：时空之战》等，因此积累了大量经验。
《武士杰克：时空之战》也是一款美术风格独特的游戏
基于这些积累，团队逐渐找到了自己的发展方向，开始尝试开发动画风格的原创游戏；再加上不少成员本身就是日本赛璐璐动画狂热爱好者，于是在大约四年前，《轨道双子星》的立项顺理成章地落地了。
另外值得一提的是，Shapefarm位于东京西侧的三鹰市。
很多读者可能对这座城市并没什么概念，所以我们不妨换个说法：三鹰市最具有代表性的文化地标，是由宫崎骏亲自参与设计的“三鹰之森吉卜力美术馆”。
正如其名字一样，这座美术馆坐落在一片拥有数百年历史的杂木林中，本身就像是一座存在于动画世界的迷宫；而馆内不仅展示了吉卜力动画的制作流程与大量手稿，同时设有仅在馆内放映的专属影院，能够体验到在任何其他地方都看不到的动画短片，是不少吉卜力影迷心中的朝圣地。
美术馆百米外，便是大型都市森林公园“井之头恩赐公园”，这里是玩家在P5中和武见妙约会的地方；附近的吉祥寺商圈则以咖啡馆、酒吧与文艺氛围著称，是玩家与明智吾郎会面的地方。
这些空间一同，构成了三鹰市别具一格的文化与艺术氛围；与此同时，大量插画与动画工作室也在此聚集，形成了独特的创作生态。而这样的环境，也在潜移默化之中渗透进了《轨道双子星》的气质之中。
这次在Shapefarm总部，我们采访了包括游戏总监Jakob在内的多名团队成员。他们向我们分享了这款游戏诞生的诸多幕后，也包括与动画外包公司对接时的一些趣事。看完这些内容，你大概便能明白，《轨道双子星》为什么能呈现出如此纯正的老动画味道。
以下是采访内容：
美术团队专访
受访者：Johannes（副艺术总监）& Megumi（2D动画制作人）
游研社：《轨道双子星》呈现出非常明显的日本80、90年代赛璐璐动画风格，这种风格是如何确定的？为什么会选择这样一种复古动画风格？
Johannes：我们之前的项目积累了不少相关经验，团队对“造型感”非常看重。另外，创意总监Marcos一直偏爱特殊风格化表达，再加上团队中大部分人从小就很喜欢《乱马½》这部作品，可以说是看着它长大的，于是大家就很希望能做出类似风格的作品。
在角色设计上，这款游戏确实带着很明显的《乱马½》风格
游研社：在确定美术风格的阶段，除了《乱马½》外还有其他比较明确的参考对象吗？
Johannes：其实在最初确立美术方向的时候，我们整理了大量参考素材，整体上融合了很多80、90年代的动画，不过核心灵感来源主要来自Marcos最喜欢的两部作品——《龙珠》和《新世纪福音战士》。
具体制作过程中，参考范围就很广了，我们会研究当年制作规格比较高的作品，比如《阿基拉》和《攻壳机动队》这样的经典动画电影；另一方面，也会参考一些我们自己喜欢的作品，比如《金星战记》。
《金星战记》是诞生于1989年的日本科幻动画电影，片中对摩托、坦克、战车等机械解构刻画尤为亮眼
同时，游戏也融入了不少轻松、可爱、更具亲和力的动画风格，比如《泡泡糖危机》等。不过虽然我们确实参考了这些作品，把它们作为灵感来源，但所有风格都会先经过我们自己的美术标准“过滤”，再重新整合、转化，最终才形成了《轨道双子星》现在的风格。
《泡泡糖危机》是诞生于1987年的经典OVA动画，也被视为80年代日本赛博朋克动画浪潮的代表作之一
游研社：《轨道双子星》的实机画面和2D过场动画之间风格非常统一，几乎没有明显的割裂感，在UE5中实现这种质感有哪些难点？
Johannes：我们的2D过场动画，是由Studio Musket手绘制作的，从分镜到最终成片，整体流程基本遵循了非常传统的动画制作方式。
至于游戏内的实时渲染，为了实现现在的效果，我们在项目初期投入了大量时间，几乎用了一整年去做技术调研和管线迭代，逐步打磨出了现在这套渲染方案。其中也包含对引擎的深度定制，着色器定制等，目的都是为了让整体画面呈现出90年代动画的赛璐璐质感。
游研社：关于游戏中过场动画的制作，Shapefarm为什么会选择Studio Massket合作？双方是如何分工和协作的？
Megumi：一开始，我们联系了几家不同的动画公司进行沟通。在这个过程中，我们发现Studio Musket擅长的领域和《轨道双子星》想要实现的方向高度契合，于是请他们试做了一段几秒钟的动画，结果效果非常出色，于是就向他们发出了合作邀请。
具体流程上，是由Shapefarm先完成故事内容的撰写，然后将剧本交给Studio Musket，再由他们基于剧本来进行分镜设计和动画制作。
有意思的是，负责分镜的导演，其实是一位曾活跃于80、90年代动画行业的资深从业者，可以说是完美符合我们想象的“那个时代的亲历者”，因此最终呈现出来的动画效果也非常出色。
而且他在制作方式上也非常传统，分镜稿甚至不是用数位板完成的，而是全部手绘在纸上，数量多达几百张。它将这些手稿邮寄给我们，也让我们把角色设定、场景设定等各种参考资料打印成纸质版本寄给他。于是我们真的打印了上百张概念图，通过邮寄的方式与他沟通，而不是邮件。
这种沟通方式可以说非常复古，如果是现在比较年轻的导演，大概率会直接在线上交流，所以说能够亲身体验这种过去的、非常传统的创作流程，其实也是一次非常有意思的经历。
我向Megumi询问了这位监督的名字——吉田英俊，在网上简单查了一下，他并不算知名，这反倒让我想起了《白箱》里的“武藏野动画扫地僧”
游研社：在游戏美术上，有没有一些你们特别自豪，或是花了很多心思反复打磨的小细节，但玩家在正常游玩中可能不一定会注意到的？可以分享一两个例子吗？
Johannes：我觉得可以举一些更具体的渲染例子来说明。比如在游戏的着色器与后处理环节中，我们加入了大量类似“胶片感”的效果，目的是为了让画面呈现一种像是先由人手绘完成，再通过摄影机逐帧拍摄下来的观感。
如果你仔细观察，还会发现当镜头移动时，角色的轮廓线其实会出现一些细微的“断裂”或不稳定感。这并非瑕疵，而是刻意为之，因为在传统动画制作中，动画师手绘线条时，难免会有轻微的抖动或偏差。
其实当下不少观众吐槽新动画“工业味”重，很大程度上也是因为数字工具的特性——缺少手绘压感带来的笔触变化，线条往往偏细且变化不明显；再加上曲线工具保证了线条的高度平滑，不会出现任何抖动，就进一步削弱了手工感
类似的现象也体现在画面的明暗处理上。相比当下依赖数字工具填色的现代动画，早期动画中的色块与结构线往往会带有一点晃动感。这是因为当年需要不断翻页对照绘制，每页之间难以做到完全一致。但也正因如此，画面反而更有一种“人为”的质感”。 我们所做的，就是有意识地把这种不那么完美的“人味”加到游戏中。
游研社：Shapefarm就在吉卜力美术馆旁边，团队会经常去看展吗？有没有哪件展品让你们印象深刻或是特别推荐？
Johannes：是的，我们离美术馆挺近的，所以经常会一起去逛逛。另外，如果有其他工作室的访客来访，我们也会一起带他们去参观。要说最值得推荐的，肯定是美术馆里的电影厅，在那里可以看到一些只在美术馆上映的动画短片，这些内容在其他地方是完全看不到的，所以每次都会觉得很特别。
Megumi：我也是同感，美术馆里可以看到一些很优秀的动画作品展示，非常值得一看。
创意团队专访
受访者： Jakob（游戏总监）& Marcos（创意总监）
游研社：Shapefarm是一支非常国际化的团队，我很好奇为什么总部选择落在东京？
Marcos：我可以分享一下我个人的感受，我想团队里有不少人也会有类似的想法：我去过很多国家，经常自己旅行，但当我第一次来到这里的时候，我有一种很强烈的感觉——“就是这里了”，然后一切都确定了。
这种感觉很难用语言解释，就是非常自然地“对上了”，就像这里本来就适合你一样。我想你应该也有类似的感受吧？做游戏有时候也需要这样的感觉。
Jakob：就我自己来说，我从小就对做游戏这件事很感兴趣，小时候我一直以为游戏只有日本才能做出来，后来才发现并不是这样。不过即便如此，我第一次来到日本的时候，还是非常喜欢这里。后来刚好有这样的机会出现，我就顺势加入了Shapefarm。
游研社：《轨道双子星》最初的创意是从哪里开始的？为什么会考虑做一款双人合作游戏？
Jakob：我是在游戏开发大约一到两个月之后加入团队的，当时这款游戏支持单人或多人模式的，也就是说玩家可以选择一个人游玩，也可以两个人一起体验。但在开发过程中，我们逐渐意识到，如果要同时兼顾单人体验，其实很难真正聚焦双人协作。
于是我们做了一个比较重要的决定，将游戏调整为纯双人游戏，这样一来，我们就可以把所有设计重心都放在“协作机制”上，确保合作体验成为整个游戏的核心。
至于为什么我们如此坚持双人协作游戏，很大程度上也和我的个人经历有关：我在加入Shapefarm之前，已经做了大概十年的合作游戏开发，这也是我非常热爱的方向。
另外，我一直很喜欢设计那种“需要和别人一起完成”的关卡，也是因为这一点，我当初选择了加入Shapefarm，他们很重视“人与人一起游玩”这件事。
Jakob的履历
游研社：因为游戏的美术风格非常突出，在制作过程中，是否会有某个美术概念特别出色，反过来启发、带动了玩法设计的情况？如果有的话，可以分享一两个具体的例子吗？
Jakob：是的，有时候美术本身会反过来启发玩法设计，这一点在我们项目中有一些很典型的例子。
如果你看过《乱马½》，里面其实有一些角色在屋顶之间奔跑、跳跃的场景，我很喜欢这种“功夫感”的移动方式，它们并不追求完全写实的物理逻辑，而是强调干脆利落的节奏感，很有冲击力，也非常好看，并且清晰易读。
所以在我们做角色移动时，就会把这种风格作为重要参考。当角色跳跃或移动时，会尽量呈现出干净、清晰的姿态。
另外，在关卡设计上，我们的流程也和很多游戏不太一样。很多项目通常是先把玩法“功能化”地做出来，只测试机制，不考虑美术，等玩法成熟之后，再把美术覆盖上去。
但在我们这里，尤其是在一些区域的开发中，我们会在设计玩法之前，就先完成相当一部分美术内容。当一个区域已经有了明确的视觉主题之后，团队在设计玩法时就会更容易受到启发，会产生“既然这里是这样的环境，那我们是不是可以做这样的机制？”之类的想法。
这样一来，最终加入的玩法并不是简单叠加在美术之上，而是和环境本身是相互融合、相互呼应的。
游研社：目前市面上有不少优秀的双人游戏，比如《双人成行》和《双影奇境》，如果把《轨道双子星》和这些作品放在一起，你们觉得它最大的不同和优势在哪里？
Jakob：我们在设计中确实借鉴了很多其他好玩的合作游戏的设计理念，但总体上《轨道双子星》会给玩家一种“熟悉但又不同”的感觉。可以理解为，它依然是合作游戏的框架，但在氛围、节奏以及整体气质上，会有完全不同的呈现方式。
游研社：团队成员来自不同国家，在东京生活期间，有没有哪些让你们印象特别深刻的人或事？这些经历是否也在潜移默化中为项目带来了一些独特的影响？
Jakob：《轨道双子星》受到东京的影响，其实并不是来自某一个具体、明确的事物，而更多是来自生活在这里的整体体验。尽管日常生活本身会带来很多细微的感受，但这些东西你很难刻意提取出来，它们会以某种方式慢慢影响你的创作。
Marcos：对我来说也是一样的。日本本身就是动画的发源地，所以在日常生活中随处都能感受到这种文化氛围。比如每隔一段时间就会有新的展览，或者你走进便利店，就会看到各种联动、周边商品，这些都非常自然地存在于生活里。
虽然也有很多动画作品，是直接取材于现实场景的，比如《你的名字》。这种能在现实中能找到对应动画画面的体验，对粉丝来说很有回报感。
但我也非常认同Jakob刚才说的，《轨道双子星》里的很多东西，如果没有生活在日本，是很难自然而然设计出来的。
比如游戏中，有一个“奶奶型”的角色，非常亲切、热情，但同时也很唠叨，这个角色的灵感，就来自我家附近一位卖咖啡豆的店主。
如果我没有生活在这里，我大概永远不会想到这样一个角色，也不会捕捉到她的说话方式和气质。所以可以说，《轨道双子星》很大程度上就是我们生活经验的产物。
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